Liebe Leser:innen,
 
das DMP-Heft 109 ist von der Anzahl der beteiligten Personen her ein ganz besonderes, denn insgesamt 25 Autor:innen haben mit Artikeln, Berichten und Rezensionen zu seinem Entstehen beigetragen. Im vorliegenden Heft widmen wir uns zum Abschluss der Förderphase des Kompetenzverbundes lernen:digital thematisch jenen Drittmittelprojekten, die im Zusammenhang mit Digitalisierung und Musikunterricht in den vergangenen zweieinhalb Jahren entstanden sind. Ziel ist eine Bestandsaufnahme über die Grenzen einzelner Hochschulverbünde hinweg: Welche musikpädagogisch relevanten Themen wurden bearbeitet? Welche Forschungs- und Entwicklungsvorhaben wurden durchgeführt, und welche Formate der Lehrkräftefortbildung wurden erprobt?
Charakteristisch für die Beiträge dieses Heftes ist, dass sie überwiegend von Autor:innenteams verschiedener Hochschulstandorte verfasst wurden. Die kollaborative Struktur eröffnet eine Vergleichsperspektive, die über Einzelprojekte hinausgeht und den Blick auf gemeinsame Herausforderungen im Zusammenhang mit Digitalisierung und Musik­unterricht, aber auch auf unterschiedliche konzeptionelle Zugänge lenkt. Ergänzt werden die thematischen Beiträge durch eine Zusammenstellung von Standortsteckbriefen (im Online-Teil), in denen die beteiligten Hochschulen ihre Projektergebnisse standortbezogen bündeln und darstellen.
Die Einleitung bildet der Beitrag von Oliver Krämer, der die Beteiligung musikpädagogischer Standorte am Kompetenzverbund analysiert und strukturelle Unterschiede zwischen Universitäten und Musikhochschulen, aber auch zwischen alten und neuen Bundesländern herausarbeitet. Anschließend nehmen Mario Dunkel, Sarah-Indriyati Hardjowirogo, Lars Oberhaus, Malte Pelleter, Steffi Rocker, Ilka Siedenburg, Sophia Tobis, Julian Vorst und Arne Wachtmann das Producing als zentrale postdigitale Musikpraxis genauer in den Blick. Anhand von Teilprojekten zu hybrider Improvisation, DJing und Sampling, Musikvideoproduktion sowie audiovisuellen Tutorials wird deutlich, wie eng technologische, ästhetische, kulturelle und soziale Dimensionen in gegenwärtigen musikpädagogischen Settings miteinander verflochten sind. Der Beitrag von Marc Godau und Phillip Gosmann setzt sich mit postdigitaler Musikkultur im Plattformzeitalter auseinander und verdeutlicht, wie audiovisuelle Praktiken, algorithmische Logiken und Social-Media-Formate neue Ästhetiken und Formen der Performativität und damit zugleich neue Lern- und Vermittlungsformen hervorbringen. Der Beitrag von Veronika Phung und Christian Rolle zur Musical AI Literacy diskutiert den musikpädagogischen Einsatz künstlicher Intelligenz nicht nur als methodisches Werkzeug, sondern als mögliche kreative Akteurin im Songwriting. Dabei zeigen sich Ambivalenzen zwischen Inklusionspotenzialen, Fragen der Autor:innenschaft und der Gefährdung kreativer Agency. Esther Hall, Isolde Malmberg, Veronika Phung und Christian Rolle untersuchen, in welchem Verhältnis Lehrkräftefortbildungen zu formalen bildungs­politischen Vorgaben stehen. Ihre Analyse zeigt, dass eine strikte Orien­tierung an Lehrplänen weder immer möglich noch pädagogisch sinnvoll ist – vielmehr eröffnen Differenzen und gezielte Abweichungen Räume für Innovation und kritische Reflexion. Matthias Krebs blickt in seinem Beitrag aus struktureller Perspektive auf die Entwicklung digitaler Bildungsangebote. Auf der Grundlage von Expert:inneninterviews zeigt er, wie hochschulische Akteur:innen in bildungspolitisch geförderten Projekten zwischen institutionellen Anforderungen, wissenschaftlichen Diskursen und schulischer Praxis vermitteln müssen.
Fünf Online-Beiträge zum Thema erweitern diese Perspektiven noch: Michael Ahlers, Finn Joris Brunken, Esther Hall und Christoph Stange stellen das Phänomen der Hybridität als Schlüsselbegriff und ‚neues Normal‘ in den Mittelpunkt ihrer Überlegungen zu postdigitaler Musikpädagogik. Paul Geßner, Benjamin Hecht, Josef Schaubruch und Sophia Tobis nehmen mit elektronischer Tanzmusik ein Praxisfeld in den Blick, das in der Musik­pädagogik bislang eine untergeordnete Rolle spielt. Philipp Ahner, Mercé Bosch Sanfélix, Sandro Dalfovo, Tobias Rotsch und Lisa Werner erörtern in ihrem Beitrag, welchen Herausforderungen sich Musikhochschulen angesichts der postdigitalen Transformation gegenübersehen, während Tobias Rotsch anschließend die Potenziale und Grenzen im Umgang mit Extended Reality (XR) im Musikunterricht beleuchtet. Abgerundet wird das Heft durch die Vorstellung einer empirischen Studie von Oliver Krämer und Philipp Lang zu Gelingensbedingungen digitalisierungsbezogener Fortbildungen.
Insgesamt zeigt das Thema dieses Heftes: Musik lernen:digital be­deu­tet mehr als die Implementierung neuer Technologien. Es geht um veränderte kulturelle Praktiken, um neue Formen ästhetischer Erfahrung, um Macht- und Deutungsfragen sowie um die Neuaushandlung professioneller Rollen. Digitalität ist kein fernes Zukunftsversprechen, sondern eine Realität, die musikpädagogisch gestaltet, reflektiert und kritisch begleitet werden muss.
Zu den freien Beiträgen dieser Ausgabe: Matthias Handschick geht anhand der Analyse aktueller deutscher Popsongs auf die Gemütslage und Einstellungen heutiger Jugend­licher im Spannungsfeld zwischen hedonistischem Exzess auf der einen und fatalistischem Zukunftspessimismus auf der anderen Seite ein. Daniela Neuhaus, Gabriele Puffer und Nicolas Uhl-Sonntag beschäftigen sich in ihrem Onlinebeitrag mit sogenannten Core Practices als Ansatz einer praxisorientierten Lehrkräftebildung.
Der Magazinteil rundet mit einem Tagungsbericht von Christopher Ulferts und zwei Rezensionen von Matthias Handschick und Andreas Lehmann-Wermser dieses umfangreiche Heft ab.
 
Rebekka Hüttmann, Oliver Krämer und Annette Ziegenmeyer